C’est le week-end de la rentrée et vous ne savez pas quoi faire ? Voici une sélection des expositions dans toute la France pour découvrir la richesse créative de l’art contemporain africain !

Bon week-end culturel et artistique,

A Paris du 25 septembre au 9 octobre 2017

Expo Photo  » Elisabeth Ndala est #TOTALLYMEGALO « 

A la Fnac des Ternes, Paris 17ème

Venez découvrir l’exposition photographique inédite de la rentrée, qui présente l’expérience artistique et humaine d’une galeriste devenue la Muse de 15 photographes.

A Paris du 31 janvier au 12 novembre 2017

L’AFRIQUE DES ROUTES

Musée du quai Branly, Paris 7ème

Nous avons déjà parlé de cette exposition, elle continue jusqu’au 12 novembre. Courez donc la découvrir. Contrairement aux idées reçues, l’Afrique a toujours été un continent ouvert, un carrefour des mondes.

Au Havre du 24 juin au 31 décembre 2017

Expo Le Havre – Dakar Partager la mémoire

Au Havre au Muséum d’histoire naturelle du Havre

L’exposition  » Le Havre – Dakar Partager la mémoire  » invite l’Afrique à se raconter tout au long d’un parcours dédié aux patrimoines, à l’art, à l’Histoire et à la création contemporaine.

A Lyon du 20 septembre au 10 décembre 2017

Exposition Malala Andrialavidrazana, Marius Dansou – Histoires brodées

à Lyon au Musée Africain

A partir du 20 septembre jusqu’au 10 décembre, le Musée africain de Lyon mettra deux artistes à l’honneur dans une exposition temporaire en Résonance avec la Biennale de Lyon 2017.

A la Gacilly du 3 juin au 30 septembre 2017

La Gacilly, festival photo en plein air invite l’Afrique

La Gacilly – Morbihan

Cette année, le festival La Gacilly, le plus grand festival photo de France en plein air, invite l’Afrique du 3 juin au 30 septembre 2017, pour mettre en lumière les photographes africains, au fil des rues et des jardins du village Morbihannais.

A Paris du 25 septembre au 9 octobre 2017

Expo Photo  » Elisabeth Ndala est #TOTALLYMEGALO « 

A la Fnac des Ternes, Paris 17ème

Venez découvrir l’exposition photographique inédite de la rentrée, qui présente l’expérience artistique et humaine d’une galeriste devenue la Muse de 15 photographes.

L’exposition Out of the Box pose enfin ses valises à Paris. Nous vous en parlions en janvier dernier ici, le designer à la renommée internationale Hicham Lahlou présente dans le cadre de Paris Design Week  son interprétation d’objets issus du patrimoine marocain, qu’il détourne de leur destination utilitaire pour en faire de nouveaux objets d’art et de design.

 

Pink One

 

Objets détournés, hymne à la musique, à l’Afrique, à la matière brute, au savoir faire artisanal, mariage de l’artisanat et de l’industrie, l’univers du créateur témoigne d’une vision décalée du quotidien.

 

Dakka Dakka

Les objets de l’exposition représentent ainsi une idée innovante de l’alliance de l’artisanat et de l’industrie, le tout teinté de poésie, de sonorités africaines, d’audace et de luxe. Mélanges des genres et des ma/ères, équilibre des propositions et recherche sur les volumes, esthétique sobre et finesse du dessin, c’est une symphonie de lignes qui se dégage de l’ensemble des œuvres.

 

Installation 28 – Sound & Light

Les objets de l’exposition représentent ainsi une idée innovante de l’alliance de l’artisanat et de l’industrie, le tout teinté de poésie, de sonorités africaines, d’audace et de luxe. Mélanges des genres et des ma/ères, équilibre des proportions et recherche sur les volumes, esthétique sobre et finesse du dessin, c’est une symphonie de lignes qui se dégage de l’ensemble des œuvres.

 

Africa Sounds

 

L’exposition a lieu du 8 au 18 septembre

– Silvera Paris – 47 rue de l’université – 75007 Paris

On ne cesse de le clamer haut et fort, l’art contemporain africain gagne enfin en visibilité et sa demande est de plus en plus croissante.

Le goût pour l’art africain moderne et contemporain a commencé à entrer dans un courant dominant il y a près de 10 ans et, contrairement à beaucoup d’autres catégories de collecte géographiques émergentes, a maintenu l’élan du marché. « Les acheteurs ont une profonde appréciation du marché et, heureusement, nous n’avons pas vu des spéculateurs entrer, comme c’est le cas dans l’art contemporain chinois« , explique Giles Peppiatt, directeur de l’art africain moderne et contemporain à Bonhams.

 

« Untitled » – 2016 – Armand Boua

 

Bonhams a lancé en 2006 un département d’art africain sous Peppiatt à Londres et a commencé ses ventes « Africa Now » dédiées en 2008, aidant le marché à décoller. D’autres maisons de vente aux enchères sautent sur l’occasion. En juin dernier, Hannah O’Leary a rejoint Sotheby’s pour diriger son nouveau département d’art moderne et contemporain; sa première vente a eu lieu au mois mai à Londres.

 

 

La foire d’art 1:54, dédiée à l’art contemporain et aux galeries des 54 pays africains, fondée à Londres par Touria El Glaoui en 2013, a été un tel succès, critique et commercial; qu’une nouvelle édition à New York en 2015 a été lancé. Des plans sont en cours de finalisation pour un lancement à Marrakech en 2018.

Un boom de la richesse dans certains pays africains, notamment l’Afrique du Sud et le Nigéria, a soutenu la scène artistique du continent, avec de nombreux acheteurs originaires de ces pays. Une diaspora africaine prospère, en particulier à Paris et à Londres, a également protégé le marché de certains des défis économiques locaux les plus récents.

Il y a eu des sommes impressionnantes pour les artistes contemporains de l’Afrique, dont beaucoup sont maintenant des chéris institutionnels. Le fil d’aluminium et de cuivre d’El Anatsui (2006) a vendu 1,4 million de dollars à Sotheby’s New York en 2014 et trois ouvrages similaires ont vendu publiquement plus de 1 million de dollars.

Dans l’ensemble, cependant, les augmentations de prix pour la plupart des artistes africains modernes et contemporains ont été soigneusement gérées et les niveaux sont encore relativement faibles. Un énorme collage de William Kentridge sur papier « Series Heads » (vers 1997) mène l’enchère d’art africain contemporain de Piasa à Paris en avril, avec une estimation de € 80,000 à € 120,000.

 

Les galeries du marché primaire des artistes africains sont généralement prudemment conservatrices. Lors de l’exposition personnelle de l’artiste Armand Boua à la Jack Bell Gallery à Londres, les prix variaient entre 8 000 et 30 000 £.

Pendant ce temps, le sujet qui préoccupe beaucoup d’artistes contemporains et modernes en Afrique s’est révélé pertinent. «Beaucoup d’œuvres de nos artistes émanent de leur expérience de la vie en Afrique, mais les problèmes qu’ils parlent, des droits de genre et du sexe, aux migrations et au commerce, sont pertinents et significatifs pour le public mondial», explique Emma Menell, qui a fondé Tyburn à Londres en 2015. Les matériaux récupérés, tels que les bouchons favorisés par les boîtes à cordes d’Anatsui ou Ibrahim Mahama, ont également un sonnette avec le goût socialement conscient d’aujourd’hui.

 

Mikhael Subotzkys Maplank and Naomi Pollsmoor – Maximum Security Prison -2004 – Image courtesy of Phillips

 

La scène locale est la clé du maintien du marché. En dehors de l’Afrique du Sud – une scène plus mature et à bien des égards une entité distincte du reste du continent – l’année dernière, la foire Art X à Lagos et le collectionneur Marwan Zakhem ont fondé la Galerie 1957 au Ghana. « En ayant la galerie à Accra plutôt que dans une ville qui dispose déjà d’une infrastructure artistique entièrement créée, nous espérons contribuer à la scène en développement », dit Zakhem. « Je crois fermement que les meilleurs marchés sont là où il y a une appréciation locale ».

 

Sources :
Photographies: Phillips.com; Will Amlot; Guillaume Souvant; AFP / Getty
Financial Times : https://www.ft.com/content/c686766c-fa7e-11e6-bd4e-68d53499ed71

Il y a deux décennies depuis l’exposition Africa The Art of a Continent qui a eu lieu à la Royal Academy of Arts de Londres, masques, plaques et figurines avec une signification religieuse étaient mis en évidence parmi les anciens artéfacts et les anciennes sculptures.

L’art africain a été synonyme de cérémonial, de rituel et de spiritualité depuis de nombreuses années. Les artistes contemporains africains continuent à mettre en valeur la religion dans leurs travaux, mais sous un nouvel angle.

Les savants ont souvent décrit la religion comme étant la base du “triple héritage”, dans lequel le christianisme et l’islam ont été introduits dans le continent et coexistent avec les religions indigènes. Le polythéisme n’est pas un concept étranger pour de nombreuses sociétés africaines. Les étiquettes chrétiennes et islamiques peuvent masquer un attachement à un système de croyances indigènes plus ancien – quelque chose que les artistes contemporains souhaitent explorer.

Keyezua, diplômée d’une école d’art, de descendance angolaise, aujourd’hui basée aux Pays-Bas témoigne : “Quand j’exposais mon travail au parlement hollandais, je n’étais pas considérée comme étant un artiste traditionnel africain. Il y avait une différence entre comment les gens perçoivent mon travail et comment ils interagissent dessus”. Selon elle, les africains ont tendance à chercher une signification cérémoniale ou ritualiste à son travail.

Project Stone Orgasms –
Keyezua

Le travail de Keyezua est puissant et controversé. Stone Orgasms, par exemple est une série de collages numériques qui attirent l’attention “sur le fait que plus de 125 millions de femmes et de filles dans le monde souffrent de la circoncision féminine et sont condamnées à vivre avec les cicatrices physiques et émotionnelles pour le reste de leur vie”.

Project Stone Orgasms -Keyezua

Pour les autres artistes contemporains africains, la religion joue le rôle de leitmotiv pour exprimer les problèmes aussi disparates que la mort, le féminisme et le colonialisme.

Bongani Njalo, sculpteur sud-africain, décrit son travail comme une préoccupation avec “ l’homme, la nature, l’univers et l’infini ”. Il dit que c’est à propos de “ la mort et la beauté de la mort ”, inspiré par le passé de sa grand-mère.

Pour beaucoup, le christianisme était le précurseur du colonialisme, apportant une croyance auxiliaire que la pratique des religions indigènes était mal vue. Mais les religions traditionnelles continuent à inspirer beaucoup d’artistes.

 

Via le magazine en ligne ADA African Digital Art, le kenyan Jim Chuchu décrit à travers son travail Pagans: Imagining African Deities “une reconstruction des divinités africaines anonymes du futur-passé, leurs adeptes et les rites religieux oubliés”. C’est aussi sur ADA que la série photographique “Vodoo in West Africa” d’Anthony Pappone, un Italien, examine directement la religion africaine indigène en révélant la pratique continue de l’animisme.

Jim Chuchu – Pagans – Courtesy : ADA

Les artefacts, les figurines et les masques traditionnels continuent d’avoir une valeur considérable, offrant des preuves de la riche histoire culturelle du continent, mais offrant également une image affable de l’Afrique, séparée des conflits et du sous-développement. Cependant, la situation change, et des efforts sont faits pour exploiter l’impact économique et culturel des œuvres d’art.

En tant qu’artistes, nous pouvons créer des projets où nous combinons l’art et la solution aux problèmes africains. ARTS MATTER. Nous sommes dans une position différente par rapport aux pays d’Europe de l’Ouest dans le sens où nous devons résoudre des problèmes. Il s’agit de créer l’art avec un objectif derrière”. Keyezua

En octobre 2015, Arterial Network, une organisation à but non lucratif, qui  regroupe artistes, donateurs, entrepreneurs et institutions, tenait sa 5e conférence d’économie créative africaine à Yaoundé, Cameroun, pour discuter du rôle de la culture sur le continent, avec en tête les objectifs du Millénaire pour le Développement des Nations Unies.

“Depuis ces dernières années, l’art contemporain africain est de plus en plus vu et il y a un intérêt renouvelé pour les artistes contemporains africains” affirme Jepchumba, un artiste digital kenyan et créateur d’ADA.

La maison Bonhams, tient régulièrement des ventes aux enchères dédiées à l’art contemporain africain, et le travail de plus de 120 artistes et designers africains ont été présentés lors de l’exposition Making Africa, au Vitra Design Museum à Weil am Rhein, en Allemagne.

Jim Chuchu – Pagans -courtesy : ADA

 

Pourtant, il reste encore beaucoup à faire en Afrique. La banque Guaranty du Nigéria est l’une des rares institutions financières à avoir joué un rôle important dans le soutien de l’art contemporain africain, avec à son partenariat avec la galerie Tate Modern du Royaume-Uni.

Pour de nombreux artistes africains contemporains qui ont voyagé, l’Ouest reste leur principal marché. Un grand nombre d’artistes émigrent ailleurs pour avoir un revenu. Pour l’instant, ce sont principalement les organisations non gouvernementales qui continuent de fournir une aide financière plutôt que les gouvernements du continent.

Mais finalement, Keyezua tente de démystifier la vue traditionnelle de l’art africain: «Que se cache-t-il derrière les masques ? Ils feront toujours partie de nos portraits, mais nous pouvons aller au-delà. Les artistes africains contemporains sont plongés et représentent l’Afrique actuelle. « 

 

 

Source: https://www.ft.com/content/45fda820-cee9-11e4-b761-00144feab7de

 

Le deuxième dossier de l’été Arts Design Africa, vous fait partir à la découverte des artistes béninois à suivre de très près. Bon voyage !

Alors que l’exposition Meschac Gaba a ouvert ses portes en 2013 au Tate Modern, tous les regards se sont portés vers le Bénin. Pourtant, Gaba fait parti d’une scène, qui depuis le début des années 90 s’est rapidement développée pour devenir l’une des plus productives et dynamiques du continent.

Lorsque des artistes tels que Dominique Kouas, Calixte Dakpogan et Cyprien Tokoudagba ont commencé à s’engager sur la scène de l’art contemporain, ils se sont distingués dans un climat culturel chargé d’obligations envers la tradition. Ces premiers ont ouvert la voie à de nouveaux artistes qui rompent avec la tradition, tout en rendant hommage au passé.

 

Dominique Zinkpè (né en 1969)

Complicité – 2011 –
Dominique Zinkpè –
Pigments, pastel gras, crayon, acrylique et collage sur toile 150 x 150 cm – Courtesy l’artiste & Galerie In Situ – Fabienne Leclerc

 

Zinkpè a commencé à se présenter internationalement en 1995, bien que son travail ait commencé depuis 1989 au Bénin. Zinkpè est plus connu pour sa sculpture : des figures hantées formées de branches et de bois. Ces pièces explorent simultanément les affinités visuelles entre les formes de la figure humaine et l’arbre, ainsi que la vaste histoire de la sculpture Fon qui a utilisé du bois pour décrire la figure. Pourtant, sa production s’étend à la peinture et à l’installation, et certaines de ses créations les plus “habitées” sont en deux dimensions. Ces figures fantomatiques et déformées qui apparaissent à partir de toiles stériles prouvent la rapidité avec laquelle le spectateur attribue les qualités humaines à une forme. Leurs formes grossières et déformées se situent entre les thèmes de Francis Bacon et le marquage de Kooning, tout en explorant des récits alignés sur son Bénin natal.

 

Leonce Raphael Agbodjelou (né en 1965)

Untitled (from Dahomey to Benin series) – Leonce Raphael Agbodjelou – 2010

 

L’un des principaux photographes d’art au Bénin, Agbodjelou a repris le commerce familial, ayant eu une formation en photographie avec son père Joseph Moïse Agbodjelou (1912-2000). Pourtant, l’artiste a par la suite construit un style lui étant propre, créant un portrait complexe qui est autant un examen de l’histoire de Porto-Novo. Sa série Vodou (2011) a montré des guérisseurs d’esprit portant des costumes traditionnels qui, tout en absorbant certaines influences extérieures, sont restés inchangés depuis des siècles. Tournés en couleurs vives, les images créent une intemporelle étrange à travers des sujets qui auraient pu être tournés il y a 150 ans, faisant allusion à la photographie anthropologique prise par les colonialistes occidentaux tout en rendant hommage à un héritage religieux qui est demeuré inchangé. Pour sa plus récente série Demoiselles de Porto-Novo (2012), l’artiste a mis en scène des femmes natives de Porto-Novo dans sa maison, une grande demeure coloniale qui reflète instantanément l’histoire occidentalisée de la ville. Le titre, une allusion à la célèbre peinture Picasso Les Demoiselles D’Avignon représentant des prostituées nues, souligne la profondeur sinistre des photos, en diffusant la sexualisation occidentale enracinée dans l’exotisme.

 

 

Rafiy Okefolahan (né en 1979)

KMKZ 2 – Rafiy Okefolahan

 

Rafiy Okefolahan fait partie de la nouvelle génération d’artistes béninois. Ses toiles riches et somptueuses avec leur palette de couleurs vibrantes évoquent les expressionnistes abstraits américains, bien que par une étude plus approfondie, les suggestions grossières de figures ou d’animaux pourraient faire allusion aux formes de Vodun. Passant du Bénin au Togo, puis au Nigéria, s’installant ensuite au Sénégal pour étudier à l’École nationale des arts de Dakar, l’artiste a organisé un spectacle à Lazarew Gallery Paris qui a rendu un hommage à son passé nomade, sa maison béninoise et à l’emplacement de l’exposition.

Le téléphone mobile est un moyen crucial de contact entre les membres d’une même famille au Bénin, il est habituel d’écrire les numéros de téléphone des proches sur les murs pour les rappeler. En contraste, Okefolahan observe que les chiffres trouvés dans les murs de Paris sont invariablement face aux petites annonces, destinés à être coupés, et n’offrant que des relations les plus ténues et plutôt sordides. Okefolahan a inclus ces numéros de téléphone de Paris sur ses tableaux, créant la suggestion d’un lien intime entre les propriétaires et l’artiste, mais aussi en soulignant le défaut global récent d’attribuer son numéro de téléphone à l’identité.

 

Gérard Quenum (né en 1971)

Carnaval Mystere -Gérard Quenum – Courtesy : October Gallery

 

Quelque part entre l’univers de Dominique Zinkpè et des frères Chapman se situe l’univers de Quenum. Les sculptures perturbantes formées d’objets trouvés sont marquées par l’utilisation de pièces de poupées abandonnées, créant ainsi de nouvelles figures et trouvent leur autonomie grâce à un minimum de références humaines. Beaucoup de sculptures impliquent un récit ou évoquent un scénario, tandis que d’autres sont plus alignés sur la création d’un personnage ou d’un geste particulier. L’utilisation des matériaux est trompeusement simple, et les nuances subtiles de chaque pièce dépendent de l’utilisation étrange des objets mis au rebut. En parlant à la BBC Afrique de la façon dont son patrimoine culturel influence sa pratique, il a déclaré: « En Voodoo, tout ce qui est spirituel est enraciné dans la matière, le matériel est donc très important au Bénin. Quand je vois quelque chose, je vois aussi quelque chose d’autre que beaucoup de gens ne peuvent pas voir. L’art contemporain porte sur la matière, et le prend, en quelque sorte, à un niveau spirituel. »

 

Meschac Gaba (né en 1961)

Meschac Gaba Salon From Museum of Contemporary African Art 1997 – 2002 on display at Tate

 

Avec des installations fortement imprégnées des indices visuels du Post Modernisme occidental, les installations vibrantes et humoristiques de Gaba forment une rupture distincte des sculptures de ses ancêtres. Sa dernière exposition au Tate Modern, intitulée Musée d’Art Africain contemporain (1997-2002), dispose d’une vaste installation de 12 pièces, compilée et construite sur une période de cinq ans au cours d’une résidence à Amsterdam, contenant un certain nombre d’objets trouvés. Des peintures, des sculptures, des objets religieux et des instruments de musique, organisés comme un marché de l’Afrique de l’Ouest. Pourtant, c’est un marché de l’Afrique de l’Ouest qui a été filtré à travers l’esthétique du musée occidental, et l’exposition complexe et multicouche de Gaba explore également l’expérience du musée, l’interaction sociale et la division apparente de la rencontre avec l’art et les rencontres de la vie quotidienne. En prolongeant son œuvre à l’esthétique relationnelle, quatre dîners dirigés par les artistes ont eu lieu dans la section Restauration du musée. À la fois un événement agréable pour les participants et un examen des limites entre les événements artistiques et quotidiens.

 

Mario Hounkanrin (né en 1978)

Scary Mask – Mario Hounkanrin

 

Né à Cotonou et élevé à Paris, Hounkanrin fait partie des artistes qui allient l’art et l’informatique. Lors de ses études, il a choisi un cursus qui lui a permis de mélanger des univers qui le passionnent à savoir la création graphique et l’informatique. A la fin de ses études, il a travaillé pour le magazine ELLE en tant que graphiste et dans plusieurs autres magazines de mode. Il a démissionné pour devenir graphiste indépendant et il a créé un studio d’animation NOMOON avec ses amis, qui a permis de collaborer avec différents grands groupes et différentes marques. Installé à Amsterdam, Hounkanrin souhaite mélanger ses origines africaines avec l’art graphique, qui est sa passion première, car selon lui l’Art africain est peu représenté, souvent ignoré.

 

Sources : http://www.lepetitjournal.com/cotonou/a-voir-a-faire/249658-cotonou-a-voir-a-faire-10-artistes-beninois https://theculturetrip.com/africa/benin/articles/contemporary-art-in-benin-a-history-in-ten-artists/ https://artsdesignafrica.com/les-artistes/mario-hounkanrin/

Pour ce premier dossier de l’été Arts Design Africa vous propose de découvrir les oeuvres africaines qui ont généré le plus d’argent lors de leur vente. Avec des records de vente, il est plus temps que jamais de commencer à constituer votre collection d’oeuvres contemporaines africaines. Nous vous souhaitons un bon voyage au milieu de tous ces chefs d’oeuvres. Voici les 6 dernières oeuvres les plus chères jamais vendues issues du continent africain.

 “Senufo Female Statue”

Senufo Female Statue

La Senufo Female Statue, conçue par un artiste connu comme étant le maître de Sikasso, est une pièce rare de Côte d’Ivoire qui a été vendue pour une somme record de 12 millions de dollars en novembre 2014. Cette pièce appartenait à Myron Kunin, un collectionneur d’art africain qui a cédé une partie de sa collection pour une valeur 41,6 millions de dollars à Sotheby’s New York.

 

“Fang Ngil Mask”

Fang Ngil Mask

Un célèbre masque du XIXe siècle des Fangs gabonais a généré plus de 7,5 millions de dollars aux enchères de Paris en 2006. Les masques Ngil étaient portés par des hommes du même nom lors de cérémonie d’initiation et de persécution de malfaiteurs. Le masque, dont on dit avoir inspiré l’artiste Pablo Picasso, a apporté quatre fois son prix estimé à 1,9 million de dollars.

 

Statue de “Fang Mabea”

Statue Fang Mabea

En 2014, une statue unique de Fang Mabea, produite au Cameroun au début du XIXe siècle, est devenue l’une des pièces les plus précieuses de l’art ethnographie jamais vendue. Générant 5,17 millions de dollars, elle appartenait à Felix Feneon et à Jacques Kerchache, deux collectionneurs et critiques d’art importants qui ont milité pour une plus grande reconnaissance de l’art africain en Europe.

 

 

“Retopistics: A Renegade Excavation”

Julie Mehretu -Retopistics – 2001

Cette peinture de Julie Mehretu, a été vendue pour 4,6 millions de dollars à Christie’s en 2013. L’artiste d’origine éthiopienne est connue pour sa peinture abstraite. Même en ayant passé la plus grande partie de sa vie aux États-Unis, Mehretu a toujours maintenu ses liens avec l’Afrique. Y compris en passant une année, à l’Université Cheikh Anta Diop à Dakar, au Sénégal. Elle a d’ailleurs exposé à la biennale de Dakar et dans les plus grands musées au monde. En 2015, son chiffre d’affaires en ventes aux enchères est estimé à 7,2 millions de dollars. Chez Christie’s, sa peinture Looking Back to a Bright New Future de 2003 s’est vendue pour la somme de 3,5 millions de dollars en 2015. Selon l’African Art Market Report en 2015, elle est classée 1ère des artistes africains les mieux côtés de la planète.

 

“Muminia Lega”

Masque Muminia Lega

Le masque de Muminia, véritable chef-d’œuvre, a été mis aux enchères à Sotheby’s France pour environ 4,4 millions de dollars, le deuxième prix le plus élevé de l’histoire pour un masque africain.

 

Sources : http://www.jeuneafrique.com/292751/culture/dix-artistes-africains-mieux-cotes/
 http://www.seneweb.com/news/Afrique/exclusif-les-artistes-africains-les-mieu_n_195535.html
http://www.clique.tv/plus-grande-maison-denchere-a-enfin-ouvert-vente-dart-contemporain-africain/
http://www.rfi.fr/culture/20170516-vente-encheres-art-moderne-contemporain-africain-sothebys
http://howafrica.com/12-most-expensive-african-art-pieces-and-paintings-ever-sold/

Le deuxième dossier de l’été Arts Design Africa, vous fait partir à la découverte des artistes béninois à suivre de très près. Bon voyage !

Au cours de ces vingt dernières années, le Bénin est devenu un des pays les plus productifs d’Afrique de l’Ouest. Le pays a même gagné le surnom de Quartier latin de l’Afrique. Un nombre important d’artistes béninois de premier plan sont aujourd’hui présents sur la scène internationale. L’exposition de l’artiste Meschac Gaba au Tate Modern en juillet 2013 a sans aucun doute participé à cet engouement international.

 

Cyprien Tokoudagba (1939-2012)

Guézo – 2008 –
Cyprien Tokoudagba –
Courtesy of the artist and Galerie Degbomey

Peintre dont la carrière était principalement axée autour des peintures murales, Tokoudagba a été chargé de la restauration du Musée national d’Abomey, du Palais du roi Glélé. Tout au long de sa carrière, Tokoudagba a peint des bâtiments, des temples et des institutions du Vodun dans son pays natal. Son travail mural – à la fois en fresque et en relief – a rendu hommage au riche patrimoine culturel de l’art béninois et Vodun, en représentant des figures symboliques ou religieuses dans un style propre à l’artiste. En 1989, il crée une série d’ouvrages non commissionnés sur toile qui entrecroisent librement les symboles du Roi d’Abomey, l’iconographie religieuse, les objets culturels et les symboles des Quatre Éléments.

Ces peintures énigmatiques ont été un départ non vers le laïc en soi, mais peut-être loin d’un hommage historique ou religieux spécifique et vers une autonomie artistique dans son travail. Ces peintures ont été exposées dans le cadre de l’exposition Magiciens de la Terre au Centre Pompidou à Paris en 1989 et jusqu’à sa mort en 2012.

 

Romuald Hazoumè (né en 1962)

Masques Picasso Mania au Grand Palais –
Romuald Hazoumè

Hazoumè est l’un des premiers artistes à obtenir une reconnaissance internationale pour son travail au Bénin. Reconnu pour ses célèbres séries de masques, des faces composites formées à partir de boîtes de gaz abandonnées, au milieu des années 1980. Alors que ses sculptures sont d’abord humoristiques, elles indiquent un courant politique plus sombre que Hazoumè a continué d’aborder tout au long de sa carrière artistique, en se référant spécifiquement à l’industrie pétrolière souterraine qui alimente l’économie du Bénin.

 

Calixte Dakpogan (né en 1958)

Dakpogan Calixte -Pigozzi Collection -319 – 2006 – Plastic, metal, textile

Descendant des Royal Blacksmiths de Porto-Novo, Dakpogan et ses frères ont continué à maintenir la forge royale dans la section de la ville, dédiée à Ogun, le dieu du fer. Après avoir découvert les œuvres de Hazoumè, l’artiste a commencé à utiliser la forge pour produire des sculptures laïques. Les pièces de Dakpogan sont en grande partie humoristiques, parfois dérangeantes. Des interprétations de l’art figuratif typique de Fon (ethnie principalement basée au sud du Bénin). Bien qu’il utilise toujours le matériel de ses ancêtres, l’artiste intègre souvent des détritus modernes. Les CD, les cassettes, les peignes et les stylos se fondent pour créer des visages ou des figures composites qui, tout en jouant, répondent au canon de la sculpture Fon, proposant un équivalent alternatif et contemporain.

 

 

Georges Adéagbo (né en 1942)

Georges Adéagbo – 2016

Ne se considérant pas comme un artiste, Adéagbo n’avait aucune intention de faire découvrir ses installations à la scène internationale. En effet, nombreuses de ses premières œuvres ont été détruites pour désencombrer sa maison. Mais une rencontre fortuite avec un curateur parisien venu voir les travaux de Kouas et Hazoumè, a permis à Adéagbo de redéfinir son activité comme une production artistique valable.

Sa collecte d’objet commence lors de promenades à Cotonou et se poursuit dans les pays où les oeuvres sont exposées. Adéagbo compile des collections d’objets, de rejet, d’élimination et d’abandon. Ces matériaux, qu’il s’agisse de coupures de journaux, de jouets, d’enregistrements, de morceaux de plastique ou de vêtements sont ensuite réarrangés, leur sens étant réapproprié à mesure que l’artiste crée des installations en grande partie sur des décisions esthétiques.

En 1999, il reçoit le prix du jury «Premio della giuria» à la Biennale de Venise pour son travail au Campo dell’Arsenale, il est depuis devenu un artiste de renommée internationale.

 

William Adjéte Wilson (né en 1952)

William Adjete Wilson – Série collage fabric on rag – Beltway Poetry Quarterly

Né en 1952 d’une mère française et d’un père appartenant au Mina (population d’Afrique de l’Ouest qui vit dans le sud Togo et au Bénin), il grandit à Orléans et étudie la philosophie et l’anthropologie à Paris. Plus tard, il retourne en Afrique de l’Ouest pour explorer son héritage et devient artiste autodidacte dès 1973.  L’expansion de sa carrière s’oriente peut-être en dehors de la scène artistique béninoise, mais sa peinture, son dessin et ses installations sont fortement liés à ses racines béninoises et explore la douleur passée des esclaves, qui a façonné l’histoire de l’Afrique de l’Ouest. En 2013, pour son installation The Black Ocean à la bibliothèque-médiathèque d’Évreux en France, l’artiste expose des tentures fabriquées à l’aide des méthodes traditionnelles de l’art royal dans le royaume du Dahomey, tandis que sa récente série VODOON’s rend hommage aux formes et à l’apparence de l’art et de l’iconographie Vodun.

 

 

 

 

Sources : http://www.lepetitjournal.com/cotonou/a-voir-a-faire/249658-cotonou-a-voir-a-faire-10-artistes-beninois https://theculturetrip.com/africa/benin/articles/contemporary-art-in-benin-a-history-in-ten-artists/ https://artsdesignafrica.com/les-artistes/mario-hounkanrin/

Pour ce premier dossier de l’été Arts Design Africa vous propose de découvrir les oeuvres africaines qui ont généré le plus d’argent lors de leur vente. Avec des records de vente, il est plus temps que jamais de commencer à constituer votre collection d’oeuvres contemporaines africaines. Nous vous souhaitons un bon voyage au milieu de tous ces chefs d’oeuvres.

“Bahora Girl”

Bahora Girl – Irma Stern

L’artiste sud-africaine Irma Stern a peint cette toile qui s’est vendue pour 3,59 millions de dollars lors d’une vente Bonhams à Londres en 2010. Cette peinture date de l’époque où Stern résidait à Zanzibar, elle s’est alors dite influencée par la beauté des femmes indiennes locales.

C’était l’une des nombreuses pièces puisées lors de ses voyages. En 2011, la peinture de Stern Two Arabs a atteint le prix le plus élevé pour une peinture vendue en Afrique du Sud : 1,8 million de dollars. En 2012, une autre de ses peintures d’un distingué d’un homme arabe omanien, intitulé Arab, est vendue pour 1,46 million de dollars.

 

 “Reliquaire Nkundu”

Reliquaire Nkundu

En 2012, une sculpture africaine en bois de Jean Willy Mestach venant du nord-ouest de la région de Mbandaka, en République Démocratique du Congo, s’est vendue pour 3,5 millions de dollars à la maison de vente aux enchères Christie’s à Paris.

 

“The Teacher”

The Teacher – Marlene Dumas

Ce portrait a été inspiré d’une photo de classe de Marlène Dumas en Afrique du Sud, vendu pour 3,3 millions de dollars en 2005. Cette une pièce provocatrice de l’artiste sexagénaire est inspirée de la politique de l’apartheid.

 

“Arab Priest”

Arab Priest – 1945 – Irma Stern

La peinture Arab Priest de l’artiste sud-africaine Irma Stern est l’une des peintures d’art africaines la plus chère vendue aux enchères. Le portrait a été acheté par un musée au Moyen-Orient pour 3,1 millions de livres (4,8 millions de dollars) en mars 2011.

 

“Les Chadoufs”

Les Chadoufs –
Mahmoud Said

Les Chadoufs a été vendu pour 2 millions de dollars en 2010. C’est un tableau de Mahmoud Said et sert de puissante métaphore de la renaissance égyptienne.

 

“Construction of the Suez Canal”

Construction of the Suez canal – Abdul Hadi El Gazzar

C’est sans doute l’un des travaux les plus importants du mouvement de l’art moderne égyptien. Construction of the Suez Canal est considéré comme un chef-d’oeuvre, cette aquarelle et gouache créée par Abdul Hadi El-Gazzar en 1965, a été vendue pour 1 million de dollars chez Christie’s à Dubaï en 2014.

 

La tapisserie “New World Map”

New World Map – El Anatsui

En 2012, Bonhams a atteint un record mondial pour l’artiste ghanéen, El Anatsui, lorsqu’une grande tapisserie tissée de bouchons, intitulée New World Map, a été vendue pour 850 544$ à Londres. Considéré comme l’un des plus grands artistes contemporains du monde, le travail d’Anatsui s’appuie sur les cultures africaines et s’intéresse particulièrement à l’érosion des traditions héritées par des forces extérieures. Il fait partie des dix artistes africains les plus côtés dans le monde. En 2014, le rapport African Art Market Report souligne que le chiffre d’affaires des oeuvres d’El Anatsui en ventes aux enchères a atteint 4,3 millions de dollars.

Pour la première vente aux enchères d’art moderne et d’art contemporain africain de Sotheby’s à Londres, en mai 2017, l’oeuvre Earth Developing More Roots, une sculpture immense de plus de 3 mètres a été vendue à un acheteur à 728 750 euros, presque le million pour cet artiste.

 

 

Sources : http://www.jeuneafrique.com/292751/culture/dix-artistes-africains-mieux-cotes/
 http://www.seneweb.com/news/Afrique/exclusif-les-artistes-africains-les-mieu_n_195535.html
http://www.clique.tv/plus-grande-maison-denchere-a-enfin-ouvert-vente-dart-contemporain-africain/
http://www.rfi.fr/culture/20170516-vente-encheres-art-moderne-contemporain-africain-sothebys
http://howafrica.com/12-most-expensive-african-art-pieces-and-paintings-ever-sold/

 

Wangechi Mutu est une artiste d’origine kényane. Née en 1972 à Nairobi, elle est aujourd’hui installée à Brooklyn (New York). Artiste pluridisciplinaire utilisant de nombreux médiums : peinture, collages, vidéos, elle est apparentée au mouvement afro-futuriste et jouit d’une renommée sur le marché de l’art nord-américain et européen.

Wangechi Mutu. Photo- Kathryn Parker Almanas

 

Originaire du Kenya, Wangechi Mutu est à la fois une sculptrice et une anthropologue. Son travail explore les contradictions de l’identité féminine et culturelle et fait référence à l’histoire coloniale, à la politique africaine contemporaine et à l’industrie internationale de la mode. Partant de l’esthétique de l’artisanat traditionnel, en passant par la science-fiction, les œuvres de Mutu documentent le patrimoine contemporain menaçant le patrimoine culturel en voie de disparition.

 

Yo Mama – 2003 – Ink, mica flakes, pressure-sensitive synthetic polymer sheeting, cut-and-pasted printed paper, painted paper, and synthetic polymer paint on paper

 

Assemblant l’imagerie du magazine avec des surfaces peintes et des matériaux trouvés, les collages élaborés par Mutu imitent l’amputation, les opérations de transplantation et les prothèses bioniques. Ses figures deviennent des mutilations satiriques. Leurs formes sont grotesquement marquées par une modification perverse, faisant écho aux atrocités de la guerre ou aux opérations auto-infligées de la chirurgie plastique. Mutu examine comment l’idéologie se lie à la forme corporelle. Elle dénonce une suprématie du physique européen imposé aux africains, entraînant à la fois une hiérarchie sociale et un génocide.

Your Story My Curse – 2006 – Mixed-media collage on Mylar

Les figures de Mutu arrivent à être répugnantes et attrayantes. De la corruption et de la violence, Mutu crée une beauté glamour. Ses personnages sont grandis par leur atrocité, et immunisés face à l’horreur. Leurs traits exagérés sont inspirés par les magazines de mode et construits à partir de produits festifs tels que des paillettes et de la fourrure. Mutu utilise des matériaux qui se réfèrent à l’identité africaine et à la lutte politique : avec notamment des allusions au commerce illégal du diamant et ses terribles conséquences. Son travail incarne une notion de crise d’identité, où l’origine culturelle devient un terrain inquiétant et douteux.

 

in Pictures for Wangechi Mutu at Brooklyn Museum. Image for Wangechi Mutu- ‘A Fantastic Journey’. Installation View. Courtesy of the Brooklyn Museum

Les collages de Mutu semblent à la fois anciens et futuristes. Ses figures aspirent à une super-race d’une évolution imposée. Dans cette série de travaux, elle utilise d’anciens diagrammes médicaux, transmet l’authenticité de l’artefact, ainsi qu’une valeur culturelle désignée. En identifiant de manière saine ses « maladies » en tant que monstres post-humains, elle invente une espèce étrangère et prophétiquement exotique; un futurisme visionnaire incluant la différence culturelle et l’autodétermination.

 

Source : http://rogallery.com/Mutu_Wangechi/mutu-biography.html

Vous avez été nombreux à suivre notre article sur la première vente aux enchères d’œuvres contemporaines africaines organisée par la maison Sotheby’s. Le magazine Omenka a rencontré la directrice du département Modern & Contemporary African Art, Hannah O’Leary, pour discuter de l’avenir et de la place de Sotheby’s dans le marché de l’art moderne et contemporain africain.

 

Hannah O’Leary

Diplômée d’une maîtrise en histoire de l’art et anthropologie culturelle de l’université de Glasgow, Hannah O’Leary rejoint Sotheby’s en 2005 dans les bureaux de Dublin et de Melbourne. Un an plus tard, c’est dans la maison Bonhams de Londres qu’elle promeut les premières enchères internationales d’art sud-africain et d’art moderne et contemporain africain. Avec 10 ans d’expérience dans ce domaine et ayant supervisé des ventes records dans ces deux catégories, elle retourne à Sotheby’s en 2016 pour développer ce marché en plein essor. Dans cette interview, Hannah O’Leary parle de l’enchère inaugurale de l’art moderne et contemporain africain de Sotheby’s.

 

Vous êtes aujourd’hui la directrice, ainsi que la responsable de l’art africain moderne et contemporain chez Sotheby’s, comment êtes-vous arrivée à ce poste ?

J’ai travaillé sur l’art africain moderne et contemporain, et plus précisément sur sa promotion dans le marché secondaire international, depuis plus d’une décennie. Pendant ce temps, j’ai non seulement développé une connaissance approfondie de l’art et des artistes africains, mais aussi des collectionneurs et des institutions impliquées dans ce domaine et des nuances particulières de ce marché. Pendant mon séjour à Bonhams, j’ai supervisé la mise en place des premières enchères internationales d’art africain moderne et contemporain avec des ventes record dans cette catégorie. Je suis ravie d’apporter cette expérience à Sotheby’s, dont la réputation et la portée mondiale nous permettront de développer davantage le marché de l’art africain.

El Anatsui – Earth Developing More Roots – 2011 – 1024 x 909

Quels facteurs pensez-vous être responsable de l’attention mondiale croissante de l’art africain et pensez-vous qu’ils sont durables ?

L’Afrique est un immense continent qui a longtemps été négligé par le monde de l’art jusqu’à présent. L’Afrique se compose de 54 pays différents représentant 15% de la population mondiale, et une grande diaspora au-delà, et pourtant l’art africain représente moins de 0,01% du marché international de l’art. Bien sûr, ce n’est pas par manque de talent artistique ou de production, et il y a des collectionneurs qui soutiennent ce marché depuis de nombreuses années, mais ce nombre est relativement petit. Cependant, le continent africain a récemment connu une énorme croissance économique, qui a permis le développement local des marchés de l’art. Plus récemment, cela a été renforcé par l’intérêt international, car les collectionneurs et les institutions cherchent à diversifier et à internationaliser leurs collections d’art. Je vois cela non seulement comme durable, mais nous ne sommes qu’au début de la correction de cette anomalie et du développement de ce marché.

 

Quel effet peut avoir l’implication croissante de Sotheby’s pour le marché international de l’art contemporain africain, en particulier lorsque d’autres maisons de vente aux enchères internationales et nationales sont déjà considérées comme des leaders du marché ?

Il devrait y avoir plus de maisons d’enchères de beaux-arts en Afrique et plus d’artistes africains vendus dans les grandes maisons de vente aux enchères internationales à travers le monde. Sotheby’s est de loin la plus grande maison de vente aux enchères pour accéder à ce marché. En plus de notre expertise en art moderne et contemporain africain, notre réseau international d’experts et nos relations avec les collectionneurs, les institutions et les médias nous permettent d’offrir l’art africain moderne et contemporain à un public beaucoup plus grand que jamais auparavant.

Irma Stern – Sunflowers-1942 – 86 x 86

Que pouvons-nous attendre de cette vente aux enchères dédiée à l’art en provenance d’Afrique ?

Notre enchère se compose de plus de 100 œuvres de tout le continent – sculpture, peinture, dessin, gravure et photographie – datant d’environ 1940 à nos jours. Il y a quelque chose pour tout le monde et chaque budget – les estimations vont de 1 000 £ pour une photographie de Roger Ballen Guardian (lot 21) à £ 650,000 pour la magnifique sculpture en bouteille d’El Anatsui qui apparaît sur la couverture Earth Developing More Roots ( Lot 72). Certains de mes favoris sont : Crash Willy, un chef-d’œuvre de Yinka Shonibare MBE (lot 106) qui mérite d’être dans un musée ; Un portrait tendre d’Uche Okeke de sa soeur Kate (lot 12); Un travail précoce de la série ‘Ogolo’ de Ben Enwonwu (lot 48); Deux magnifiques et rares pièces d’Uzo Egonu (lots 49 et 50); Et un superbe triptyque de Bruce Onobrakpeya (lot 81).

 

Quels sont les développements à attendre pour l’art du continent, y compris les habitudes de collection, et quelle est la position de Sotheby’s pour tenir compte de ces changements ?

C’est la première vente de ce genre chez Sotheby’s et la première vente aux enchères où l’accent est mis sur l’Afrique. La grande majorité des artistes, malgré leur réputation internationale, n’ont pas encore été vendus par les grandes maisons de vente aux enchères internationales. Notre enchère se compose d’art africain ou d’artistes africains, mais nos collectionneurs sont internationaux. Les artistes inclus dans cette vente aux enchères ont été exposés à l’international, des États-Unis à la Chine, en Australie et dans toute l’Europe, et ont été suivis dans tous ces endroits. Bien sûr, nos ventes aux enchères attireront les collectionneurs et les nouveaux acheteurs.

 

Source : http://www.omenkaonline.com/in-conversation-with-hannah-oleary/

 

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