Comment les oeuvres d’art sont-elles estimées ? Part I

Le magazine Artspace se penche sur l’intéressante et complexe question de l’estimation des oeuvres d’art. Il est connu que la tarification des œuvres d’art est loin d’être simple.

Alors que les principes économiques fondamentaux de l’offre et de la demande s’appliquent toujours au marché de l’art, les facteurs qui contribuent à l’offre d’un artiste, ou la disponibilité de leur art à vendre, et la «demande» d’un artiste, ou combien de collectionneurs sont prêts à acheter leur travail et à quel prix, sont assez compliqués.

En prenant un exemple concret Artspace a trouvé une lithographie datant de 1990 de David Hockney, qui a été vendu pour 43 606 $ aux enchères et une lithographie similaire de 1991 par David Hockney pour 8 000 $ disponible sur le site. Comment ces deux tirages du même artiste, de la même période, diffèrent-ils de 35 000 $? Les facteurs de l’offre et la demande contribuent à l’estimation des oeuvres.

Marché primaire par rapport au marché secondaire

Avant de déterminer comment une oeuvre d’art est cotée, il est important de considérer où elle est vendue. Les oeuvres sont vendues sur ce que l’on appelle les marchés primaires et secondaires. Le marché primaire se réfère aux ventes initiales. Un artiste fera un travail, le consignera dans une galerie, la galerie le vendra à un collectionneur, et la galerie et l’artiste vont diviser le profit. Et dans certains cas, l’artiste vendra à un collectionneur directement à partir de son studio, en contournant la galerie, à un prix plus bas. Ces types de ventes constituent le marché primaire.

Le marché secondaire, cependant, traite des œuvres d’art qui ont déjà été vendues sur le marché primaire. Si un collectionneur a une oeuvre dans sa collection, dont il voudrait se séparer, il le vendra sur le marché secondaire, et passera certainement par des maisons de vente aux enchères comme Sotheby’s, Christie’s, ou à travers la galerie où il a acquis en premier temps l’oeuvre. Dans ces cas, l’artiste ne reçoit aucune part des bénéfices.

Les prix sur le marché secondaire ont tendance à être beaucoup plus élevés que ceux du marché primaire, principalement en raison du fait que la plupart des œuvres d’art n’accumulent pas de valeur dans le temps suffisamment pour justifier une revente. Seuls les travaux d’artistes historiquement significatifs, morts ou hautement demandés seront vendus sur le marché secondaire. Mais dans le marché secondaire, les collectionneurs peuvent généralement s’attendre à trouver de meilleures offres aux enchères qu’acheter directement à travers des galeries.

 

Demande: historique d’exposition, soutien institutionnel, tendances du marché et viabilité commerciale

Il va sans dire que plus les gens veulent une œuvre d’art, plus le vendeur aura des chances de revente intéressantes. « S’il y a deux personnes qui veulent le même objet, chaque personne augmente le seuil », explique le collectionneur et marchand d’art Stefan Simchowitz à Artspace. C’est une économie assez basique ici, alors peut-être que la question la plus intéressante à poser est: Qu’est-ce qui rend certaines œuvres d’art très demandées et d’autres pas?

Artspace a demandé à Jonas Lund, une artiste connue pour avoir travaillé sur le marché de l’art, cette même question. « Plus les gens veulent la même chose, plus les gens croient que c’est un bon investissement, plus les gens pensent que l’artiste va devenir énorme, plus la concurrence est grande et plus le prix est élevé ». Dans ce jeu de spéculation, plusieurs facteurs contribuent à savoir si un artiste est susceptible ou non de devenir «énorme» – peut-être le plus important étant l’historique des expositions de l’artiste.

Un artiste à mi-carrière, qui est représenté par une galerie réputée, a eu une exposition individuelle dans un musée et qui a participé à des événements institutionnels ou à des biennales, a de meilleures chances de «devenir énorme» (et exiger des prix élevés) qu’un artiste fraîchement diplômé, qui peut avoir une ou deux expositions collectives locales. Les collectionneurs se tournent vers le CV d’un artiste pour obtenir des informations, qui pourrait aider à prédire la trajectoire de leur carrière; Les CV comprennent l’éducation, les expositions individuelles, les expositions collectives, les résidences d’artistes, les prix, les bourses, les bourses d’études et l’inclusion dans les collections publiques / institutionnelles.

Les galeristes invitent souvent les conservateurs de musées à voir leurs exposition dans l’espoir d’aider leurs artistes à intégrer le programme d’une institution, assurant ainsi la longévité et la valeur de leur carrière à long terme. « Le marché de l’art fonctionne vraiment d’une manière où la valeur est déterminée sur le long terme », déclare Simchowitz. « Une évaluation faite en fonction d’une courte période de temps peut être très volatile. » Les artistes acquis par les musées sont considérés comme «moins volatiles» car la longévité de leur carrière est quelque peu stabilisée et validée par l’institution. Non seulement les expositions des musées aident les artistes à mi-carrière à s’établir, mais aussi à augmenter les prix des ventes du marché secondaire, que l’artiste soit ou non vivant. Si un artiste a une rétrospective majeure, les collectionneurs seront probablement prêts à payer plus aux enchères.

Maintenant, il est important ici de noter la différence entre le prix et la valeur: un artiste émergent peut faire de l’art percutant car il apporte de manière significative une nouvelle trajectoire à l’art contemporain, mais il peut ne pas être financièrement valable, simplement parce que l’artiste n’a pas eu l’opportunité de montrer son travail dans des espaces jugés dignes de l’attention du marché. Chrissie Iles, curatrice du musée Whitney déclare : «Je ne suis pas du tout contre le marché, mais il est important de se rappeler que quelque chose n’est pas nécessairement historiquement significatif simplement parce qu’il réussit sur le marché». Vous vous demandez probablement, comment un artiste arrive-t-il à signer avec les galeries réputées (et donc à avoir accès aux collectionneurs et avoir la possibilité de vendre leur travail)? Pourquoi les galeries voudraient-ils les montrer s’ils ne font pas un travail «historiquement significatif»?

Les galeries sont de toutes les formes et toutes les tailles, si certaines d’entre elles s’engagent à montrer des artistes qui, selon elles, seront historiquement significatifs, d’autres sont plus motivées à montrer que l’art est «commercialement viable».

Les marchands les plus performants sont capable de repérer de jeunes et émergents artistes faisant des œuvres d’art, en concordance avec les tendances esthétiques actuelles, qui peuvent résonner dans l’esprit des collectionneurs, mais qui sont assez uniques pour faire appel aux collectionneurs à la recherche de quelque chose d’unique et de rare. Il y a quelques années, la peinture abstraite de couleur neutre était tendance; cette année, la peinture figurative colorée est plus demandée.

 

 

Source : article original 

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